아이샤 에 아라르
Aysha E Arar
31 May-29 Jun 2024
ThisWeekendRoom
Artists
Aysha E Arar →
Credit
참여 작가ㅣ아이샤 에 아라르
기획ㅣ디스위켄드룸
글ㅣ박지형
사진ㅣ이정우
협력ㅣ드비어 갤러리
ArtistsㅣAysha E Arar
Curated by ThisWeekendRoom
TextㅣJihyung Park
PhotographsㅣJungwoo Lee
Collaborated with Dvir Gallery
Preface
팔레스타인 작가 아이샤 에 아라르(b.1993)는 동시대 국제 정치 사회의 모순된 장면에 끊임없이 저항하며, 현실을 변화시키는 구체적이고도 일상적인 실천으로서의 예술의 힘을 공유하고자 한다. 그는 회화, 영상, 퍼포먼스, 글쓰기 등 다양한 행위의 중첩을 통해 개인과 공동체의 삶과 기억, 그리고 그 너머의 자유에 관해 발언한다. 전시 《어느 인어의 노래》는 한국에서 열리는 그의 최초의 개인전이며, 2018년 이후부터 최근까지의 주요 작업을 폭넓게 소개한다. 그가 개인전 제목으로 언급한 ‘아라비안 인어’는 고대부터 전해져 내려오는 미지의 존재로, 인간과 물고기의 신체를 모두 가지고 있으면서 때로는 아름다운 여신의 모습으로, 때로는 바다의 힘을 주관하는 일종의 수호신으로 그려지기도 한다. 작가에게 이 생명체는 인간과 비인간, 문명과 자연 사이를 잇는 주체로서 자유로움과 상상력의 매개이다. 또한 그가 멈추지 않고 부르는 노래란 곧 작가가 이어가는 저항의 목소리가 가진 아름다움과 지속성을 함축하는 것으로, 전시장에서 여러 형태의 시각적 발의를 표상한다.
그의 작업은 공통적으로 단단한 물리적, 이념적 벽을 넘나드려는 성질을 공유한다. 가령 그가 빠른 필치로 그려내는 회화는 고정된 사각의 캔버스 틀에 연연하지 않고 주변에서 얻을 수 있는 일상적 사물을 지지체로 삼는다. 가정집에서 사용하던 테이블보가, 누군가 입고 생활했을 옷이, 테두리가 다듬어지지 않은 여러 질감의 천이 작품의 바탕이 된다. 상이한 질감과 테두리를 가진 드로잉은 전시장의 고정된 구조적 특성을 와해시키며 벽과 벽 사이, 바닥과 천장을 유영하는 이미지로 기능한다. 또한 그가 그려내는 구상과 추상 사이의 형상은 현실과 비현실의 경계를 타고 움직이는 그의 열린 태도를 반영한다. 여러 문화로부터 구전되어 오는 신화적 서사, 문학적 참조에서 추출된 상상 속 생명체와 파편화된 인간의 신체, 그리고 현실에서 마주하는 변화무쌍한 자연의 일부는 제약 없이 얽혀 모호한 장면을 연출한다. 어린이가 낙서하듯 유희적으로 다룬 선과 색은 꿈속의 한 찰나처럼 보이기도, 억압된 심연의 상태를 반영하는 것 같기도 하다.
이러한 즉흥적이고 순발력 넘치는 접근은 한편으로 한 개인의 자연스러운 내적 표현의 방법으로 비춰지지만, 동시에 그가 마주하는 상황들에 관해 필연적으로 취해야만 하는 태도로 볼 수 있다. 작가는 불명확함으로부터 비로소 미적이고 초월적인 힘이 추출될 수 있으며 이 힘이야말로 일상적 투쟁의 동력이 될 수 있다고 믿는다. 무엇이 되기 이전의 상태 혹은 설명되지 않은 (또는 못한) 것들에 대한 포용은 이성의 이름 아래 가두어져 있던 감각들을 일깨우는 불쏘시개가 된다. 같은 맥락에서 거칠게 만져진 이미지와 정제되지 않은 듯 분출되는 그의 음성은 서로를 빼닮았다. 그가 종종 전시장에서 부르는 노래는 부서지는 파도의 포말처럼 허공에, 사람들의 귀에, 벽면에 부딪혀 퍼진다. 이는 여성을 비롯하여 발언할 수 없는 무수한 존재들을 향한 열망, 애도, 위로의 세레모니로 볼 수 있다. 그의 목소리는 공기 중에 일시적인 파동을 만들며 더 많은 살갗에 가닿을 수 있다.
여러 형태로 드러나는 작가의 호흡과 몸짓은 왜곡된 세상의 면면들을 사랑과 치유의 지대로 이끌기 위한 것이다. 방향을 찾지 못한 채 무한히 공회전하는 세계 곳곳의 충돌과 비논리, 이기심은 비단 오늘날 몇몇 물리적 장소에만 국한된 문제가 아니다. 이 위험은 도처에 만연하며 매 순간 우리의 과거와 현재, 더 나아가 미래를 예측할 수 없는 어둠으로 밀어 넣으려 한다. 작가는 교묘한 형태로 재생산되는 제국주의 이데올로기가 은폐하는 연약하고 빛바랜 가치들을 논의의 장으로 소환한다. 작가는 여전히 인간 중심적인 함의로 가득한 지구에서 비가시화되는 집단, 식물과 동물, 미생물이 공존하고 있음을 주지하며 그들에게 자리를 돌려주어야 함을 주장한다. 과학과 자본이 낳은 비이성의 그림자에 가려져 소거되었던 것들은 그의 우주에서 생기 넘치는 모습으로 등장하며 이야기의 중심으로 돌아온다. 이 전시를 통해 아이샤 에 아라르가 쉴 새 없이 밖으로 꺼내놓은 감각의 덩어리를 마주한 모두가 용기와 희망을, 투쟁과 연대를, 우정과 사랑을 찬찬히 읽어낼 수 있기를. 그리고 이 작은 전시가 흩어져있던 가치들과 우리 주변의 삶과 엮어낼 수 있는 촉매제가 되기를 소망해 본다.
글ㅣ박지형 (디스위켄드룸 큐레이터)
Palestinian artist Aysha E Arar(b.1993) constantly resists the contradictory scenes of contemporary international politics and seeks to share the power of art as a concrete, everyday practice that transforms reality. Through the superimposition of various practices, including painting, video, performance, and writing, she speaks about individual and community life, memory, and freedom beyond. The Arabian mermaid will never stop singing is her first solo exhibition in Korea and presents a wide-ranging selection of major works from 2018 and beyond. The Arabian mermaid, referenced in the title of her solo exhibition, is a mysterious ancient creature with both human and fish features. This mermaid is sometimes depicted as a beautiful goddess and other times as a guardian of the sea. For the artist, the Arabian mermaid symbolizes freedom and imagination, bridging the gap between human and non-human, civilization and nature. Her ceaseless song alludes to the enduring beauty and persistence of her voice of resistance, which is represented in the exhibition through various forms of visual protest.
Her works share a common quality of transcending physical and ideological boundaries. For example, her quick brushstroke paintings do not adhere to a fixed, square canvas frame but use everyday objects from her surroundings as supports. Tablecloths used at home, clothes that someone might have worn, and various textured fabrics with untrimmed edges form the basis of her works. These drawings, with their different textures and borders, disrupt the fixed structural nature of the exhibition hall, functioning as images that float from wall to wall, floor to ceiling. The shapes she draws, which lie between figurative and abstract, reflect her open-minded attitude toward exploring the boundaries of reality and unreality. Imaginary creatures and fragmented human bodies, derived from mythological narratives and literary references from various cultures, intertwine with changing elements of nature encountered in reality to create ambiguous scenes. The lines and colors, playfully drawn like a child’s scribbles, evoke a moment in a dream or a reflection of the repressed state of the abyss.
This improvisational and spontaneous approach can be seen both as a natural form of inner expression for the individual and as an inevitable response to the situations she encounters. The artist believes that only from the unclear can aesthetic and transcendent power be extracted, and that this power can be harnessed to fuel everyday struggles. Embracing what existed before it became defined, or what remains unexplained (or inexplicable), ignites the senses that have been suppressed in the name of reason. Similarly, her roughly drawn images and the raw eruption of her voice mirror each other: the songs she often sings spread through the air, into people’s ears, and against the walls like the foam of a crashing wave. This can be seen as a ceremony of aspiration, mourning, and consolation for women and countless other beings who lack power. Her voice creates temporary ripples in the air, allowing it to reach more deeply into the flesh.
The artist’s breath and gestures, which take many forms, aim to transform the distorted aspects of the world into a space of love and healing. The collision, illogic, and selfishness of our world, which seems to idle endlessly without direction, are not confined to a few physical places. This danger is omnipresent, threatening to plunge our past, present, and future into unpredictable darkness at any moment. The artist brings to light the fragile and faded values concealed by imperialist ideology, which are reproduced in insidious forms. She is acutely aware of the coexistence of invisible groups, plants, animals, and microorganisms on a planet still dominated by anthropocentric implications, and she insists on giving them their due place. What was erased in the shadow of the irrationality of science and capital is revived in her universe, returning to the center of the narrative. Through this exhibition, she hopes that everyone who encounters the mass of sensations Arar has so relentlessly brought to the surface will find courage and hope, struggle and solidarity, friendship and love. May this small show catalyze reconnecting scattered values with the life around us.
TextㅣJihyung Park (Curator, ThisWeekendRoom)
