이채원, 리니아 가드, 이의성
Chaewon Lee, Linnéa Gad, Uesung Lee
4 Jul-8 Aug 2026
ThisWeekendRoom
Artists
Chaewon Lee →
Linnéa Gad
Uesung Lee
Credit
참여작가ㅣ이채원, 리니아 가드, 이의성
기획ㅣ디스위켄드룸
글ㅣ이유진
사진ㅣ이정우
ArtistsㅣChaewon Lee, Linnéa Gad, Uesung Lee
Curated by ThisWeekendRoom
TextㅣYoojin Lee
PhotographsㅣJungwoo Lee
Exhibition Text
오늘날의 예술은 고정된 물성을 지닌 소유의 대상에서 벗어나, 발생하고 사라지는 하나의 과정이자 사건으로 이행하고 있다. 개념과 수행성 사이의 오랜 갈등의 역사를 지나오며 우리는 종말을 고하던 무수한 담론 속에서도 살아남은 본질들에 주목하게 된다. 그것은 시대가 변하되 기어코 고수하고자 하는 의미에 관한 질문과 맞닿아 있다. 전시 《네트 Net》는 이러한 동시대적 고민을 바탕으로 개인의 일상과 주변 생태계를 가로지르는 시간의 퇴적과 침식, 그리고 변형의 모양들을 추적한다. 이채원, 리니아 가드(Linnéa Gad), 이의성은 인간과 비인간, 인공물과 자연물, 가시와 비가시의 경계에 붙들린 물질적 또는 심리적 잔해들을 얽으며 유실과 재생의 흔적을 펼쳐 보인다.
이채원의 시선은 칠흑 같은 어둠과 짙은 고요 속에서 여전히 살아 숨 쉬는 생의 온기를 담아낸다. 숨죽인 듯 잔물결조차 일지 않는 밤의 바다, 광활히 펼쳐진 하얀 눈밭처럼 일견 차갑고 삭막해 보이는 텅 빈 풍경 안에서 우리는 역설적으로 가장 따뜻한 생명의 흔적을 발견하게 된다. 화면에 등장하는 하얀 개체들은 누군가를 품에 안고 온기를 나누거나 높은 곳에 올라 주변을 수호하며 서로의 안녕을 살핀다. 어쩌면 평소 작가가 조심스레 고백하던 자연을 향한 부끄러움과 애정, 무력감과 책임을 반증하는 듯하다. 그는 물이 얼어붙어 눈과 빙하가 되고, 다시 부서지는 파도가 되는 순환을 묘사하며 근원지로부터 밀려나 사라져 버린 것들을 떠올린다. 검은 모래 해변에 꽂힌 깃털과 앙상한 나뭇가지에 내려앉은 눈송이는 떠나버린 존재들의 귀환을 꿈꾸며 묵묵히 세워둔 이정표일 테다. 혹은 세찬 바람만 남은 곳에 새들이 다시 찾아오기를, 아직 태동하지 않은 숨이 깨어나기를, 높은 창공을 가르고 들판에서 춤을 추던 이들의 역사가 계속되기를 바라는 예언이자 선포와 같다.
본디 연체동물은 연약한 몸체를 지키기 위해 오래도록 자기 분비물을 층층이 쌓아 올려 단단한 껍데기를 형성한다. 스톡홀름 군도의 해안가에서 나고 자란 리니아 가드의 작업은 이 은밀하고도 경이로운 습성에 기인한다. 그의 조각은 인위적으로 형태를 갖춘 결과물이기보다 조직이 스스로 엉겨 붙고 증식하는 과정을 모방한 상태(status)에 가깝다. 흙, 금속, 종이, 유리를 비롯한 다양한 재료는 작가가 관찰한 지형을 이루는 지질학적 특성과 잠재적 기운, 나아가 저마다의 고유한 사연을 품는다. 예컨대 숲에서 주운 물푸레나무 껍질(Ember), 선박의 밑이나 바위에 군락을 이루는 따개비(Lean To)는 슬립과 재활용 종이 펄프로 재현되고, 검은 판금을 두른 호박 유리(Sun Trap II)는 연체동물의 유연한 움직임을 상기시킨다. 결국 그의 작업은 드넓은 야생의 일시적인 기록인 동시에 끊임없는 축적의 과정이다. 생성과 소멸이 교차하는 소우주 안에서 작가는 완전한 끝이란 없음을 긍정하며 스러진 것들이 다시 빚어낼 전환의 순간을 꺼내놓는다.
이의성은 개인과 사회를 둘러싼 제도, 원리, 체계를 촉매하는 에너지의 흐름을 시각화한다. 특히 그에게 시간이란 균질하게 흘러가는 선형적 척도라기보다 조건에 따라 판이한 밀도와 속도를 지니는 실체와 같다. 말하자면 단순한 연대기적 흐름이 아니라, 소리, 온도, 거리, 무게라는 구체적인 성질로 치환될 수 있는 것이다. 이는 마치 상대성 이론과 궤를 같이하며, 효율성과 시장의 논리 등에 의해 재단되는 주관적 쓸모를 표상한다. 이내 시간의 경과는 소비 가능한 여건에 놓인 대상으로부터 감지된다. 열매가 숙성되기까지의 기다림은 과일 망의 길이와 메트로놈의 빠르기를 구분하고, 각기 다른 무게로 깎여나간 산양의 털은 생존과 재화의 쓰임으로 분류된다. 한편, 이번 전시에서 작가는 .목적을 완수하고 버려진 아보카도 껍질을 본떠 종(bell)이라는 도구로 소생시켰다. 껍질은 덜 익어 두꺼울수록 둔탁한 소리를 내고, 얇아질수록 멀리까지 맑은 소리를 퍼뜨린다. 울림의 간극이 자아내는 여운은 단숨에 휘발되지 않는 무형의 가치에 관해 재고하도록 이끈다.
세 작가가 건네는 메시지는 마침내 다가올 미래에 대한 일종의 소극적 암시로 수렴된다. 그러나 이들의 예술적 실천은 아직 당도하지 않은 어느 시점을 향한 수동적인 기다림만은 아닐 테다. 오히려 지난날의 파편을 쓸어 모으고 현재를 투영하는 행위들이 부딪치며 만들어내는 확률의 영토에 다름없다. 그러한 자국들이 얽히고설킨 이 장(場) 속에서 저마다의 진영을 넘어 끝내 지켜내야 할 것들의 안부를 물을 수 있기를 기대한다.
글ㅣ이유진 (디스위켄드룸 큐레이터)
Today, art is moving away from being an object of possession defined by fixed materiality, becoming instead a process and an event of emergence and disappearance. Following the long history of tension between the conceptual and the performative, we turn our attention to the questions that have endured beyond the countless discourses that have come and gone. At stake is the question of what we continue to value and preserve, even as the conditions of our time continue to shift. Grounded in these contemporary concerns, the exhibition Net traces the forms of temporal sedimentation, erosion, and transformation that traverse everyday life and the ecosystems that surround us. Chaewon Lee, Linnéa Gad, and Uesung Lee weave together material and psychological debris caught between the human and the nonhuman, the artificial and the natural, and the visible and the invisible, revealing traces of loss and regeneration that remain embedded within these entangled relationships.
Chaewon Lee’s gaze captures the warmth of life that persists within impenetrable darkness and profound silence. Within seemingly cold and desolate landscapes, whether the stillness of a night sea without the slightest ripple or the vast expanse of a snow-covered field, we paradoxically encounter the most enduring traces of life. The white figures that inhabit Lee’s paintings embrace one another, sharing warmth, or ascend to higher ground to watch over their surroundings, quietly safeguarding one another’s well-being. They seem to embody the artist’s deeply held feelings toward nature: a quiet mixture of affection and shame, helplessness and responsibility. By tracing water as it freezes into snow and glaciers before returning as breaking waves, Lee reflects on all that has drifted from its place of origin and disappeared. A feather planted in black sand and snowflakes resting on bare branches become silent markers, standing in anticipation of those who have departed. They are perhaps both a prophecy and a declaration: a wish that birds may one day return to lands inhabited only by fierce winds, that life not yet awakened may begin to stir, and that the lives of those who once crossed open skies and danced across the fields may continue.
Mollusks form their sturdy shells by slowly layering their own secretions over time, protecting their fragile bodies through gradual accumulation. Growing up along the shores of the Stockholm archipelago, Linnéa Gad draws inspiration from this quiet yet remarkable process. Her sculptures are less fixed objects than states of ongoing formation, mimicking the way organic matter gradually binds together and proliferates of its own accord. Clay, metal, paper, glass, and other materials carry the geological qualities, latent energies, and individual histories embedded within the landscapes she observes. Ash bark collected from the ground (Ember) and barnacles that cling to rocks and the undersides of boats (Lean To) are reimagined through slip and recycled paper pulp, while amber glass encased in black sheet metal (Sun Trap II) recalls the supple movement of mollusks. Ultimately, her practice becomes both a temporary record of the wilderness and an ongoing process of accumulation. Within a microcosm where emergence and disappearance continually intersect, Gad affirms that nothing ever truly reaches a definitive end, revealing moments of transformation through which what has faded may once again take form.
Uesung Lee visualizes the flow of energy that animates the institutions, principles, and systems surrounding individuals and society. For him, time is not a uniform, linear measure but a material reality whose density and velocity shift according to circumstance. Rather than unfolding chronologically, it becomes legible through qualities such as sound, temperature, distance, and weight. Echoing the logic of relativity, this understanding of time reveals how value is continually shaped by efficiency, utility, and the logic of the market. The passage of time instead becomes perceptible through objects destined for consumption. The wait required for a fruit to ripen determines the length of its protective net and the tempo of a metronome, just as goat fleece, shorn to different weights, is categorized either as a means of survival or as a commercial commodity. Furthermore, in this exhibition, the artist reimagines discarded avocado skins that have fulfilled their original purpose as bells. The thicker, unripe skins yield a dull, heavy sound, whereas the thinner they become, the farther their clear, resonant tones carry. The lingering reverberation born from these differences invites us to reconsider enduring, intangible values that do not readily dissipate.
The messages conveyed by the three artists ultimately converge into a quiet intimation of the future. Yet their artistic practices cannot be reduced to a passive wait for what has yet to arrive. Rather, they inhabit a territory of possibility, formed through the encounter between gathering fragments of the past and projecting the present. Within this field, where such gestures become intricately entangled, we are invited to look beyond our own positions and consider what, in the end, is truly worth preserving.
TextㅣYoojin Lee (Curator, ThisWeekendRoom)
