최지원
Jiwon Choi
25 Apr-31 May 2025
Weserhalle, Berlin, GER
Credit
주최｜베저할레
협력｜디스위켄드룸
Host｜Weserhalle
Cooperation｜ThisWeekendRoom
Introduction
베저할레는 최지원의 독일 첫 개인전 《Following the Curves》를 개최한다. 정적인 상태와 초현실주의적 감각을 아우르는 회화로 주목받는 작가는 주로 도자기 인형과 장식적 식물의 형태, 그리고 일상 속 유물(domestic relics) 등이 기억과 자각(awakening), 삶과 죽음의 간극 사이에 멈춰 있는 독자적 세계를 구축한다.
그는 정물화, 풍경화, 인물화가 결합된 장면을 통해 일상의 연극성을 포착한다. 화면 속 주인공인 도자기 인형은 이미 지나간 시간들과 공명하며 과거 장식적 예술의 향수를 불러일으킨다. 한때 버려지거나 외면받았던 이 인형들은 이제 흔들리는 난초와 가느다란 풀잎 뒤에서 조용히 깨어나 작가의 그림 속에서 내밀한 의식을 치르는 것처럼 보인다.
그의 근작들은 부재와 실재에 관한 작가의 지속적인 탐구를 반영한다. 각각의 작품은 자연물과 인공물, 비밀과 생경함이 공존하는 챔버와도 같다. 마치 기억의 표면과 같은 화면에는 특유의 모순이 가득하다. 가령 광택을 지닌 것처럼 보이는 대상은 사실 무광이고 정지된 듯한 순간은 움직임의 가능성으로 가득 차 있다. 그의 우주는 마치 조부모님 댁에서 발견한 오래된 괘종시계의 소리가 공명하듯, 과거와 현재, 그리고 미래를 계속해서 순환한다.
반복적으로 등장하는 난초는 이 전시를 아우르는 주요한 요소이다. 최근 작가는 작업실에서 피고 지는 난초의 형상을 관찰하며 자연물이 지닌 부드러운 곡선과 다양한 색채의 변주를 회화적 장치로 사용하기 시작했다. 인형을 둘러싸거나 때로는 일부를 가리는 식물의 가느다란 줄기는 마치 관람자가 타인의 사적인 공간에 침입하여 대상을 바라보는 듯한 느낌을 받게 한다. 이러한 이미지는 단순한 미적 구성에 그치는 것이 아니라 그리움, 고독, 회복과 같은 감각을 담은 시각적 기록과도 같다.
작가는 본인의 작업을 ‘아름다움’, ‘치유’, ‘슬픔’, ‘공허함’을 위한 공간으로 명명하며, 특유의 정서적 모호함이 본 전시 전반에 걸쳐 드러난다. 그가 묘사하는 객체들은 단순히 관찰되어지는 대상이 아니라 나와 타자, 그리고 우리를 아우르는 상징적 단서로서 상실과 환희가 뒤섞인 복합적인 감정을 넌지시 전달한다. 그의 회화에서 다루어지는 것들은 장식적인 요소가 아니라 성찰의 도구이며, 기이함과 고요한 긴장감을 불러일으키는 매력을 지닌다. 화면에 깔린 섬세하고도 낯선 감각은 마치 반쯤 기억난 꿈처럼 오랜 여운을 남긴다.
최지원은 이화여자대학교 서양화 학사 및 석사를 졸업하였고, 주로 생명이 결여된 대상에 생동감을 불어 넣는 회화 작업을 제작해 왔다. 통제된 듯하면서도 즉흥적인 터치는 그려진 대상을 입체 부조나 조각품처럼 보이게 만들기도 한다. 인형의 시선을 가까이 들여다본다면 그 뒤에 감춰진 이야기를 엿볼 수 있을 것이다.
이번 전시는 모호한 아름다움과 조용한 깨달음이 깃든 작가만의 정원을 엿볼 수 있는 기회로 마련되었다. 이곳은 그림자 진 나뭇잎과 도자기 피부의 반짝임을 간직하고 있으며, 향수와 미래의 자아가 움트는 공간으로서 관람객들을 초대한다.
Weserhalle is pleased to present “Following the Curves”, the debut solo exhibition in Germany by Korean artist Jiwon Choi. Known for her evocative paintings that tread the delicate line between stillness and surrealism, Choi builds a world where porcelain dolls, ornamental foliage, and domestic relics reside in a suspended state—between memory and awakening, life and afterlife.
With a practice rooted in the fusion of still life, landscape, and portraiture, Choi captures the theatricality of the everyday. Drawing from the language of decorative arts and ancestral nostalgia, her subjects are porcelain figures that quietly echo past lives. Once discarded or overlooked, they now appear quietly awakened—tenderly poised behind swaying orchids and slender blades of grass, engaged in private rituals within painted sanctuaries.
The works in this series reflect Choi’s ongoing dialogue with absence and presence. Each piece is a chamber of convergence: natural and artificial, intimate and uncanny. Echoing the reflective surface of memory, her canvases shimmer with a peculiar contradiction—what appears glossy is matte; what looks still, brims with the possibility of movement. Like the fading tick of a chiming clock in her grandmother’s home, time in Choi’s universe is elastic and cyclical.
The orchid becomes a recurring protagonist in this exhibition. Blooming and wilting within the confines of Choi’s studio, its tender curves and chromatic gradients are translated into compositional devices. Slender stems frame the doll-like figures, often partially obscuring them, enhancing a sense of gentle distance—as if the viewer is quietly intruding upon an intimate moment. These images are not merely aesthetic compositions but diaristic entries—visual notations of longing, solitude, and resilience.
Choi refers to her work as a space for “beauty, healing, sadness, and emptiness,” and this emotional ambiguity is tangible throughout the exhibition. Her figures are not just objects of the gaze, but vessels of personal and collective memory—expressing a layered tenderness that merges loss with grace. In these paintings, beauty is not ornamental but contemplative; charm lies in eccentricity and quiet tension. The delicate strangeness of her compositions lingers—like a half-remembered dream.
Through her background in Western painting, with BFA and MFA degrees from Ewha Womans University, Choi has developed a painterly language that renders the inanimate with sentient vitality. Her brushwork—at once controlled and spontaneous—plays with perception, occasionally tricking the eye into believing these images are three-dimensional reliefs or sculptural forms. Upon closer look, the gaze of each figure reveals something more: an emotion barely withheld, a story half-told.
The exhibition offers a glimpse into the artist’s evolving visual diary—a garden of ambiguous beauty and quiet epiphanies. It is a space where nostalgia germinates and future selves begin to take shape, framed by shadowed leaves and the glint of porcelain skin.
